Pop art

Este movimiento artístico predominó durante la década de 1960 y 1970, tanto en Reino Unido como en Estados Unidos. Se basaba en imágenes de la cultura popular, por lo que tuvo la capacidad de producirse en masa y de ser accesible, con ello tuvo un triunfo comercial.

El término "pop art" se aplicó por vez primera a mediados de la década de los 50's a un grupo de jóvenes pintores británicos, y rápidamente se popularizó en Gran Bretaña y E.U.

se puede considerar que el pop art, una reacción contra la filosofía de "el arte por el arte" de la abstracción de posguerra, tiene sus orígenes e el dadaismo y los ready-mades de Marcel Duchamp. por otra parte, la iconografía que necesitaban los artistas para denunciar un mundo del arte que consideraban rancio, la encontraron en las imágenes de la cultura popular del momento: el grafismo publicitario de las películas de Hollywood, los cómics, el packaging, los dibujos animados, etc.

El pop art surgió de as reuniones en Londres del Independent Group (que incluía a Eduardo Paolozzi, Richard Hamilton y Lawrence Alloway) en la misma época en la que, por su parte, los estadounidenses Jasper Johns Robert Rauschenberg empezaban a incorporar a sus elementos del diseño comercial.

Al rechazar las técnicas pictóricas del expresionismo abstracto, los pintores de éste movimiento adoptaron las lineas nítidas y los colores planos del estilo ard-edge y volvieron a un estilo figurativo. El empleo de las atrevidas y estilizadas imágenesdel diseño comercial confería a las obras pop un estilo impersonal, incluso irónico, mucho más relacionado con la producción en masa que con la creación individual.

Además de representar imágenesmundanas extraidas de la vida cotidiana a la manera de la publicidad gráficao de las tiras cómicas, algunos artistas, como Ruaschenberg en sus combine paintings, utilizaron en sus obras los objetos mismos. Otros, en especial Warhol, adoptaron técnicas como serigrafía, creando obras más próximas a la publicidad que al arte.

Pero ¿qué es lo que hace a los hogares de hoy tan diferentes y atractivos?, 

Richard Hamilton, 1956, Kunsthalle; Tubinga, Alemania.

Cañón, Robert Rauschenberg, 1959, colección privada.

Tres banderas, Jasper Johns, 1955, MoMA; Nueva York, E.U.

En el coche, Roy Lichtenstein, 1963, 

Scottish Gallery of Modern Art; Edimburgo, RU.

La silla eléctrica, Andy Warhol, 1967, Colección privada.

Los dos artistas más sobresalientes del expresionismo abstracto

                      "El pintor moderno no puede expresar su época,
                       el aeroplano, la bomba atómica, la radio, con las
                       viejas formas del renacimiento o de cualquier otra
                       cultura del pasado. Cada época encuentra su propia
                       técnica".

                                 - Jackson Pollock

Jackson Pollock fue el mayor exponente y líder del action painting y del expresionismo abstracto, y como afirmó su colegaWillem de Kooning: "rompió el hielo para el resto de nosotros".

Pollock comenzó a practicar el estilo drip painting en 1947, lo cual le dio renombre y revolucionó los conceptos establecidos sobre cómo debía pintar. En vez de usar caballete, tendía el lienzo sobre el suelo, y en lugar de utilizar pinceles, vertía la pintura de una lata y salpicaba utilizando unos bastoncillos. También revolucionó las ideas al uso sobre la composición:se movía de forma fluida, como en una danza, al rededor y a veces sobre el lienzo, creando un estilo all-over en el que ninguna parte del cuadro era más importante que otra; no había un punto focal, y el centro no era más importante que los márgenes. Como dijo Pollock, eran cuadros "sin principio ni fin".

Su innovadora técnica supuso tanta mala fama como renombre. Apodado "Jack the Dripper" por la revista Time, fue el primer pintor estrella estadounidense; su afición a la bebida y su vida desordenada contribuyeron a forjar su reputación.

Hombre con arado manual, JacksonPollock, 1930,

Museum of Fine Arts; Houston, E.U.

Mujer lunar, JacksonPollock, 1942,

Peggy Guggenheim Foundation; Venecia, Italia.

Ojos en el calor (Serie Sonidos en la hierba), JacksonPollock, 1946,

Peggy Guggenheim Foundation; Venecia, Italia.

                       "Queremos reafirmar la imagen plana. Estamos a
                        favor de las formas planas, porque destruyen la
                        ilusión y revelan la verdad."

                                 - Mark Rothko

El pintor de origen ruso Mark Rothko fue un destacado expresionista abstracto; el empleo emotivo del color y la aplicación de extensas áreas de color poco o nada modulado hicieron que se le clasificara como color field painter. En la década de 1930, Rothko pintó al estilo expresionista, pero a comienzos de 1940 adoptó, como muchos de sus colegas expresionistasabstractos, un estilo surrealista, con referencias a mitos antiguos y con imágenes caligráficas y biomórficas. A finales de esa década, comenzó a desarrollar el estilo de grandes campos de color, por lo que se le conoce, y antes de 1960 había logrado ya el éxito internacional. Pese a ello, padeció una depresión que se fue agravando, y en 1970 se suicidó.

Remolino lento al borde del mar, Mark Rothko, 

1944, MoMA; Nueva York, E.U.

Sin título, Mark Rothko, 

1955, Museo de Israel; Jerusalén, Israel.

Sin título, Mark Rothko, 

1969 - 1970, MoMA; Nueva York, E.U.

Fuente:  

ARTE: LA GUÍA VISUAL DEFINITIVA. 1945 - actualidad, Edit. Dorling Kindersley, Edición 2010.

Otros impulsores del arte moderno en México

Julio Ruelas, mejor conocido por su grabado literario, también fue pintor e ilustrador mexicano, (Zacatecas, 21 de Julio de 1870 - París, 16 de Septiembre de 1907) . Formado inicialmente en la Academia de San Carlos donde adquiere conocimientos en la técnica de la pintura (Anteriormente cursó estudios generales en la Institución científico y militar de Tacubaya), será con posterioridad gracias a una beca y el firme apoyo familiar cuando amplia sus horizontes artísticos y viaja a Alemania para ingresar en La Escuela de Arte de la Universidad de Karlsruhe y recibir entre otras la influencia del célebre pintor suizo Arnold Böcklin. Finalizado su periplo por tierras germanas, retorna a su Méjico natal y se integra dentro de los círculos intelectuales e artísticos del distrito federal. Así, desde 1898 se constituye como uno de los miembros fundadores de la publicación orientada a la creación y difusión cultural: Revista Moderna, siendo su más notable y principal ilustrador. Sin embargo, tiempo después (1904) decide trasladarse a París para conocer y dominar la técnica del grabado en aguafuerte. De hecho, sus obras en aguafuerte, pese a no superar la decena, representan el mejor legado de su producción (La medusa, Escalera de Dragón, La princesa cautiva, La esfinge, etc). No obstante, en 1907 en el cénit de su trayectoria profesional y con tan sólo 36 años de edad fallece a causa de una tuberculosis mortal.

Pintor excepcional, enigmático, rebelde, transgresor, sátiro, mordaz y romántico, fue el emblema del modernismo y simbolismo mejicano. Figura poderosa, brillante y bohemia, sus múltiples trabajos han representado con su elegante y vivo dominio de la línea a una de las carreras más alabadas entre los artistas latinoamericanos, la de un genio magistral.

Los fuegos fatuos, Julio Ruelas, 1907.

A la sombra de un Hermes, Julio Ruelas, 1901.

Mes de noviembre, Julio ruelas, 1903.

Marius de Zayas fue un artista, crítico, editor, curador y marchante de arte. Fue clave en la divulgación del arte moderno en los Estados Unidos. Nacido en Veracruz en 1880, vivió la mayor parte de su vida fuera de México. En 1907 siguió una carrera como escritor y caricaturista en Nueva York, donde escribió para la revista "América" que editaba su padre, Rafael de Zayas Enríquez. Sus crónicas y dibujos de esta época son una ventana crítica a la vida cotidiana, la fotografía, la ópera, la escultura, la coreografía y las exposiciones de su  tiempo. Lo que más se resalta de su obra es la forma tan particular de proyectar su caricatura artística.

Entre 1910 y 1911 vivió en París donde ingresó al círculo de Guillaume Apollinaire, Francis Picabia y Pablo Picasso. A su regreso a Nueva York, se sumó a la revista "Camera Work" y a la Galería Photo-Secession de Alfred Stieglitz. Poco después fundó y dirigió la Modern Gallery en donde expuso obras de Paul Cézanne, Vincent Van Gogh, Diego Rivera, André Derain y Paul Strand por primera vez en América. Al cierre de la Modern Gallery, abrió una segunda sala de exposiciones y ventas llamada De Zayas Gallery, la cual cerró en 1921.

Hacia el final de la década de los treinta se retiró a un castillo en Rivoiranche, al sur de Grenoble. Ahí empezó a trabajar en la crónica testimonial "Cómo, cuándo y por qué el arte moderno llegó a Nueva York", escrita a manera de carta dirigida al fundador del Museum of Modern Art de Nueva York, Alfred H. Barr Jr. a quien conoció en París cuando éste lo consultó acerca de la procedencia de cinco piezas de su propiedad: dos Cézanne, dos Gauguin y un Derain.

Marius de Zayas murió en Stamford, Connecticut en 1961, dejando tras de sí una larga y productiva vida dedicada a la promoción del arte y la literatura. Su labor como curador y marchante fueron trascendentales para la divulgación de las vanguardias parisinas en nuestro continente, y fue a través de su intervención que se formó una buena parte de la colección de arte que actualmente se exhibe en MoMA de Nueva York.

La patinadora, Maruis De Zayas, 1908.

L' Accoucheur d'Idees, Marius De Zayas, 1912.

Francis Picabia, Marius De Zayas, 1912.

José Guadalupe Posadas (Aguascalietes, 1852 - México, D.F., 1913). Fue un maestro del gravado realista, pues captó el espíritu y el ambiente de la sociedad mexicana, bajo el dictador Porfirio Díaz, en el poder entre 1884 y 1911. Después de la revolución, su figura se revalorizó entre los artistas, que celebraron su obra como auténticamente mexicana.

Posada se especializó en ilustraciones para una persona dirigida a un público ávido de noticias sensacionalistas. Con mano hábil y una afición lúdica al detalle truculento, reflejó la sociedad y la política de su tiempo. Escenas religiosas, corridas de toros, héroes y bandidos célebres, y desastres naturales fueron temas de su repertorio, pero se le recuerda sobre todo por las calaveras, los esqueletos que dibujó para la fiesta del día de muertos.

El fandango del bautizmo del hijo de Emiliano Zapata, 

José Guadalupe Posada, 1913.

 Calavera Huertista,

José Guadalupe Posada, 1910.

Los siete vicios,  

José Guadalupe Posada, 1891

Fuentes:

http://www.artepinturaygenios.com/2012/05/julio-ruelas-los-grabados-de-un-bohemio.html
http://delmuseoimaginario.blogspot.mx/2013/02/marius-de-zayas-precursor-del-arte.html
ARTE: LA GUÍA VISUAL DEFINITIVA. 1900 - 1945, Edit. Dorling Kindersley, Edición 2010.

Expresionismo abstracto

Éste movimiento artístico surgió en la década de 1940 y 1950 en Nueva York. Aunque esta vanguardia contaba con una diversidad de estilos, la constante es que los artistas trabajaban un un gran formato, expresando una intensa carga emocional en sus obras y atendían al aspecto sensual de la pintura. 

Anteriormente el término "expresionismo abstracto" ya se había utilizado en la década de 1920 para explicar la obra de Kandinsky , pero fue en 1945  cuando un crítico de arte de The New Yorker: Robert Coates lo utilizó para referirse por vez primera a la pintura moderna estadounidense. Ya para 1950 era la denominación habitual que se le daba.

Ya hemos visto anteriormente qué importancia tuvieron los muralistas para la influencia de esta vanguardia, pero una de las mayores influencias fue la que tuvieron sobre el surrealismo. Lo que tomaron de este movimiento, fue el concepto de la liberación de energía inconsciente y pintar de forma automática, así como el biomorfismo, estilo pictórico caracterizado por encontrar formas semejantes a los seres vivos, pero sin recurrir a lo geométrico. La mayoría de los artistas abstractos - incluidos los más famosos, -Pollock y Rothko- se iniciaron en un estilo biomórfico en la década de 1940.

el movimiento también surgió como una respuesta a la sociedad estadounidense de posguerra. Con una sociedad cada vez más Homogénea y conservadora, los artistas lo quisieron convatir expresando sus sentimientos y vivencias.

El expresionismo abstracto se puede componer de dos grupos: Action painting, que es cuando, el acto de pintar se acaba convirtiendo en el contenido de la obra y las emociones se transmiten directamente de la pintura al lienzo, haciendo arte del accidente; Color field painting, éste pretendía ser un arte contemplativo, por lo que se requería hacer uso de grandes contrastes tonales, y al ser contemplativa, no contaba con un punto focal claro, como si fuese un paisaje de color.

Pintura abstracta (Cuadro negro), Ad Reinhardt, 1956, colección privada.

1956-H, Clyfford Still, 1956, colección privada.

El velo en el espejo, Hans Hoffmann, 1952, MoMA; Nueva York, EU.

Aquiles llora la muerte de Patroclo, Cy Twombly, 1962, Centro Pompidou; París, Francia.

Fuente:  ARTE: LA GUÍA VISUAL DEFINITIVA. 1945 - actualidad, Edit. Dorling Kindersley, Edición 2010.

Marcel Duchamp

                   "Me he esforzado a contradecirme para evitar adecuarme
                    a mi propio gusto".
                             - Marcel Duchamp

Nacido en una familia de artistas,fue un pintor consumado desde muy joven. Hacia 1912, junto con el poeta y críticoGuillaume Apollinaire y Francis Picabia, empezó a repensar las nociones establecidas sobre qué era arte y qué no lo era. Estando en Nueva York , durante y después de la primera guerra mundial, participó activamente en el movimiento Dadá con proyectos sutilmente humorísticos a base de objetos ready-made, experimentos ópticos, juegos de palabras y especulación metafísica. En estos años hizo un uso creativo del azar, el lenguaje y elementos efímeros –el polvo, las sombras- y creó un alter ego lúcido: Rose Sélavy. En 1920 expuso en Paríscon los dadaístas antes de volver a Nueva York para completar El gran vidrio. Parecía que había abandonado la creación artística tras dejar inacabada dicha obra, pero después de su muerte, en 1968, se descubrió otro gran proyecto, la instalación en diversos materiales Étant donnés, hoy en el museo de arte de Filadelfia.

Desnudo bajando una escalera, n.°2, Marcel Duchamp, 

1912, Philadelphia Museum of Art, EU.

El gran vidrio o La novia desnuda por sus solteros incluso, Marcel Duchamp, 

1915 - 1923, Philadelphia Museum of Art, EU.

Étant donnés (La cascada), Marcel Duchamp, 

1946 - 1966, Philadelphia Museum of Art, EU.

Fuentes:

  ARTE: LA GUÍA VISUAL DEFINITIVA. 1900 - 1945, Edit. Dorling Kindersley, Edición 2010.

Saturnino Herrán: Padre de la pintura moderna en México

Anteriormente ya hemos tocado el tema de la pintura moderna en general, y el porqué se le llama así a ésta. Courbet y Manet inauguraron la modernidad en el arte, rompiendo con los cánones temáticos y pictóricos, respectivamente. Comenzaron a relatar escenas que se vivían en la cotidianidad, encontrando arte en ellas.

Saturnino Herrán puede ser fácilmente llamado el padre de la pintura moderna en México, porque es quien comienza a tratar su obra con una temática del tiempo presente. A diferencia de otros artístas de la época, quienes trataban de hallar la identidad en una nación en su pasado prehispánico y se enfocaban en ello. Herrán es pionero en mostrarnos, de una manera fascinante, y con una técnica y temáticas realistas, la estética de una realidad actual en un país ecléctico, producto del choque de dos culturas en extremo diferentes. Encuentra y revela, arte y estética en lo cotidiano.

Lo anterior no quiere decir que no tomó temas de la mitología e historia mexicanas. Su obra se enriquece igualmente de dicha temática. 

No tan crudo como Courbet, pero sí un tanto más romántico que Manet. Un maestro del simbolismo, Herrán demuestra ser el homólogo de ambos en suelo Azteca. Sin duda, el precursor de la pintura moderna, e incluso del muralismo mismo, a pesar de que no ocupe el mismo formato, no se le puede negar su influencia en esta vanguardia nacional.

Mujer en Tehuantepec, Saturnino Herrán, 1914, 

Museo de Aguascalientes, México.

La ofrenda, Saturnino Herrán, 1913, MUNAL; México, D.F.

La cosecha, Saturnino Herrán, 1909, Colección Andrés Blaisten

La leyenda de los volcanes, Saturnino Herrán, 1910, Pinacoteca del Ateneo Fuente; Saltillo, Coahuila, México.

¿Qué técnica de perspectiva ocupaba Siqueiros?

Siqueiros adaptaba sus composiciones a lo que él llamó la "arquitectura dinámica", basada en la construcción de composiciones en perspectiva poliangular. Para ello estudiaba cuidadosamente los posibles recorridos de los futuros espectadores en los lugares que albergarían sus murales y definía así los puntos focales de la composición. Siqueiros llegó a utilizar una cámara de cine para reproducir la visión de un espectador en movimiento y ajustar más eficazmente la composición a esa mirada dinámica.

Su anhelo por lograr la adecuación entre las técnicas pictóricas y la contemporaneidad tecnológica le llevó a crear en 1936 un Taller Experimental en Nueva York. Las prácticas del taller buscaban integrar la arquitectura, la pintura y la escultura con los métodos y materiales ofrecidos por la industria. Allí se experimentaba a partir de lo que Siqueiros denominaba "el accidente pictórico", esto es, la práctica de la improvisación mediante técnicas como el goteo de pintura y las texturas con arena. Los chorreones y salpicaduras dejadas caer sobre el lienzo, que luego pasarían a ser emblemáticas del expresionismo abstracto americano, fueron una práctica gestada en el taller de Siqueiros, al que asistieron Jackson Pollock y otros jóvenes que llegarían a formar la primera generación de artistas estadounidenses con un lenguaje propio.

Fachada principal del Polyforum Cultural Siqueiros, 1971,

Ciudad de México.

Fuentes: 

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/siqueiros.htm

El muralismo mexicano. Nuestra propia vanguardia

No cabe duda de que hay tres columnas sobre las que se sostiene la vanguardia del muralismo mexicano, estas son: Diego Rivera: José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros. Se les llegó a llamar <<Los tres grandes>>. Cada uno poseía su estilo, técnica, temática e incluso ideas políticas propias.

Al haber estudiado en Europa durante más de trece años, Rivera estaba muy influenciado tanto por el cubismo, como por la pintura mural del renacimiento italiano. Orozco rechazaba el marxismo didáctico de Rivera, y la suya fue una visión mucho más oscura y compleja de lo humano, con mensajes de atractivo más universal. Siqueiros, revolucionario ferviente y combatiente en la Guerra Civil española y otros conflictos de índole revolucionaria, fue el más experimental en cuanto a técnica y composición, y el más influyente sobre las generaciones posteriores. El muralismo se extendió y otros muchos artistas visionarios y de talento, realizaron murales tanto en México como en otros países.

No se puede subestimar la influencia del muralismo mexicano sobre la creación artística en todo el mundo. En América Latina, el arte mexicano despejó el camino para las expresiones políticas maduras y únicas, y las grandes figuras realizaron algunas de sus mejores obras en EE.UU empleando técnicas innovadoras que contribuyeron al nacimiento del expresionismo abstracto.

Diego Rivera con los muralistas David Alfaro Siqueiros y Jose Clemente Orozco, 

1947.  Cortesía del Archivo de Cenidiap, Ciudad de México.

Fuente:  ARTE: LA GUÍA VISUAL DEFINITIVA. 1900 - 1945, Edit. Dorling Kindersley, Edición 2010.

¿Dónde se encuentra Zapata en el "Paisaje Zapatista" de Rivera?

En esta obra, evidentemente no se aprecia a Zapata de manera figurativa, ni mucho menos la abstracción de su forma, más bien, en la gráfica de ésta tela, haciendo un uso de la estética picassiana y su cubismo sintético, se aprecia  una abstracción del concepto mismo de revolución (un rifle, una cartuchera, un sarape, un sombrero) que domina el primer plano ante el escenario de unas montañas. 

En una opinión muy personal, creo que no se trata de proyectar a Emiliano Zapata, sino la huella que él dejó en su época, y sobre todo, la huella que dejó en las guerrillas. Y claro que es rayar un poco en la obviedad decir que Zapata es sinónimo de Revolución Mexicana. Con esto, pienso que Rivera acudió a ponerle dicho nombre a su tela, en primera "paisaje", porque es en el escenario en que se encuentra la forma principal y "zapatista", porque decir de forma abstracta "revolución", es decir "lo referente a Zapata", y las guerrillas fueron formaciones influenciadas por dicho revolucionario. 

Paisaje zapatista: la guerrilla, Diego Rivera, 1915,  

óleo sobre lienzo, Museo de Arte Moderno; México, D.F.